F I N A L D E
C U R S O
Este semestre siendo el “second time around” de la enseñanza virtual cualquiera pensaría que seria más fácil ya que como estudiantes estaríamos más adaptados. No obstante no fue así, considero este semestre una más riguroso con muchas más dificultades. De manera que me resulta difícil describir un curso, como también puedo imaginar que a un profesor le resulta difícil calificar a un estudiante cuando la interacción es de ambas partes minima. Sin embargo considero que la clase es muy informativa e interesante.
A N E N G I N E E R
I M A G I N E S
A Designer Envisions, un galardón realista que descubre la asombrosa tradición del arquitecto subyacente irlandés Peter Rice, se presentará en películas irlandesas el viernes 1 Walk.
A Designer Envisions, sigue la vida sin precedentes de Rice, desde sus modestos comienzos en 52 Manor Street, Dundalk, pasando por sus exámenes en Queen's, Belfast y hasta Londres, Sydney y París. Visto como uno de los principales diseñadores del siglo XX, Rice recibió el Ilustre Premio de Oro de la Regal Organization of English Draftsmen (RIBA) inmediatamente antes de su desastroso fallecimiento en 1992.
Rice al mismo tiempo empujó los límites de la artesanía y la ciencia para lograr lo insondable. Con su utilización progresiva de materiales y, a veces extravagantes que parecían ser componentes subyacentes, las estructuras de Rice descubrieron y elogiaron los componentes principales que las sustentaban.
Pasado por alto en Irlanda desde hace no mucho tiempo, Peter Rice ha contraído compromisos trascendentales con un gran número de las estructuras más elogiadas en el diseño mundial, por ejemplo, Sydney Show House, Lloyd's Structure en Londres, Transformed Pyramid en el Louver y el Centro Pompidou de París.
G E H R Y
Y
M O N E O
El semestre pasado tuve la oportunidad de estudiar a ambos arquitectos de manera que he llegado a entender que lo "moderno" por definición implica un estilo o desarrollo en las expresiones humanas que pretende romper con el viejo estilo y las estructuras habituales y eso es en realidad a lo que Gehry y Rafael Moneo dedicaron sus vidas.
Mientras los dos dibujantes se concentraron en completar varias partes de sus emprendimientos, cada uno realizó obras de arte actuales que cambiaron la ingeniería hasta el final de los tiempos.
Blunt Gehry es un planificador concebido canadiense, es uno de los diseñadores de moda más famosos del siglo XX. Generalmente conocido por su utilización de intensas formas posmodernas y sus grandes estructuras. Rompiendo con agotadoras formas convencionales y uniformidad en toda forma o estructura. Ghery también estaba intrigado por la configuración de los muebles, pero eligió centrarse en las estructuras. Sus estructuras divididas y formas líquidas no rectilíneas hicieron que su trabajo se diferenciara de los demás de su época.
En consecuencia, llegamos a la determinación de que la innovación es una idea extremadamente tremenda que hace un gran progreso. Independientemente de la forma en que el trabajo de Moneo y Gehry fueran totalmente diferentes entre sí los dos tuvieron un efecto importante en la presente idea de innovación.
F E L I P E C O R R E A :
B U I L D I N G A
C U L T U R E O F
R E P R E S E N T A T I O N
Si bien el contexto histórico de São Paulo se remonta a más de 450 años, una gran parte de su desarrollo se produjo después de la Segunda Guerra Mundial cuando el principal motor monetario de la ciudad pasó de la horticultura a la industria. En la actualidad, a medida que São Paulo se convierte en un punto central de la economía de ayuda, sostiene Felipe Correa, la ciudad debe inspeccionar con cautela cómo incorporar más fácilmente su amplio suelo post-mecánico del centro de la ciudad en los empleos metropolitanos contemporáneos.
En São Paulo: Una cuenta realista, Correa presenta una extensa imagen de la ciudad más grande de Brasil, retratando su implacable desarrollo a través de material auténtico, fotografía, dibujos únicos y texto. Artículos adicionales de investigadores en campos, por ejemplo, diseño de escenas, naturaleza, administración y bienestar general ofrecen una progresión de puntos de vista interdisciplinarios sobre el conjunto de experiencias y mejoras de la ciudad.
Más allá de introducir la historia principal de la estructura metropolitana paulista y detallar con cautela los ciclos de desarrollo que dieron forma a esta capital en ensamblaje, São Paulo muestra cómo la ciudad puede cambiar sus terrenos posmecánicos en una progresión del centro combinado con regiones de alojamiento razonables. Al reorientar la forma en que consideramos estos espacios, el volumen ofrece una visión convincente de una reconstrucción metropolitana realmente necesaria que puede ayudar a aligerar la extraordinaria división financiera entre el centro de la ciudad y la periferia. Este esquema metropolitano del siglo XXI establece posteriormente un gran trabajo de examen y presenta un punto de vista extraordinario sobre cómo las áreas urbanas pueden vislumbrar su futuro.
M I L L O W N E R S
A S S O C I A T I O N
B U I L D I N G D E
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VS
C A R P E N T E R
C E N T E R
Le Corbusier llegó a la India para planificar Chandigarh en 1951. Fue recibido en Ahmedabad por el líder del ayuntamiento, Chinubhai Chimanbhai. Surottam Hutheesing, en ese momento líder de la Afiliación de Propietarios de la Planta de Ahmedabad, autorizó a Corbusier a fabricar el nuevo campamento base de la afiliación. Fue terminado en 1954.
Una inclinación majestuosa lo convierte en una excelente metodología en un vestíbulo de entrada de triple altura, abierto a la brisa. La apariencia es en el piso principal, donde (según el primer plano) se encuentran los lugares de trabajo y la sala de reuniones de los jefes. La planta baja alberga los espacios de trabajo de los agentes y un contenedor diferente de una sola planta en la parte trasera.
En el tercer piso hay un vestíbulo alto, iluminado desde arriba, con un voladizo en la azotea y un divisor de revestimiento curvado, a pesar de una entrada liberal. Los revestimientos este y oeste son como rompeolas o brise-soleil, una de las numerosas creaciones convencionales de Corbusier que, mientras esquivan el sol brutal, autorizan la asociación visual y el desarrollo del aire. Mientras que los brise-soleil funcionan como exteriores libres hechos de duro cemento cubierto, los lados norte y sur, ladrillos inherentes y desagradables, están prácticamente completos.
En el segundo piso de la estructura de los propietarios de la fábrica, la sala se trata como "un espacio abierto caracterizado por estructuras brutales y precisas y el teatro como un espacio encerrado representado por estructuras delicadas y curvilíneas ... dos componentes opuestos que necesitan que el otro exista . "
Por otro lado los pensamientos de Le Corbusier se solidifican en una estructura asombrosa en el campo base de la ONU en Nueva York, creado por Wallace Harrison, pero del cual Le Corbusier garantizará constantemente la paternidad. Craftsman Place for the Visual Expressions puede verse como el trabajo solitario tuyo realmente en suelo estadounidense, una remuneración extremadamente fuera de línea para un dibujante propuesto constantemente por los Estados Unidos.
En 1913 y fascinado por las imágenes de la industria estadounidense, Le Corbusier no prevaleció en su primera salida en 1935, y se fue con solicitudes de regresar después de su vano esfuerzo por forzar una "celda reestructurada" en Nueva York.
A decidido Le Corbusier acepta la puerta abierta ofrecida en 1959, debido a la intercesión de Josep Lluis Sert, quien luego podría seguir el trabajo para desarrollar una estructura para el Staff of Expressions en el Harvard College. Sabe que habla de su única ocasión para presentar su participación en una última fusión compositiva y plástica en los Estados Unidos.
L A T I N O A M E R I C A
Y E L
M O D E R N I S M O
En la literatura en lengua española, el término modernismo denomina a un movimiento literario que se desarrolló entre los años 1880-1910, fundamentalmente en el ámbito de la poesía, que se caracterizó por una ambigua rebeldía creativa, un refinamiento narcisista y aristocrático, el culturalismo cosmopolita y una profunda renovación estética del lenguaje y la métrica.
Se conoce por modernismo a la forma hispánica de la crisis universal de las letras y del espíritu y que se manifiesta en el arte, la ciencia, la religión y la política
Este movimiento desarrollado en América por el poeta y pensador cubano José martí cambio le forma poética y la poesía escrita en lengua española. El nacimiento del modernismo surgió consigo en el libro de Rubén Darío llamado “azul” alrededor del año 1888. Seria con este poeta donde el modernismo iniciaría sus primeras ideas más a la poética que a la narrativa. Los modernistas retomaron y llevaron a su culminación un estilo que venía de romanticismo y del simbolismo europeo
S C H I N D L E R
Oskar Schindler (1908-1974) fue traído al mundo el 28 de abril de 1908, en Svitavy (Zwittau), Moravia, alrededor de entonces un área del gobierno austrohúngaro. De etnia alemana y católica, permaneció en Svitavy durante el período de entreguerras y obtuvo la ciudadanía checa después de que Moravia se fusionara con la República Checoslovaca recientemente establecida en 1918.
A raíz de ir a una serie de escuelas de intercambio en Brno y casarse con Emilie Pelzl en 1928, Schindler tuvo una variedad de ocupaciones, recordando haber trabajado para el negocio de aparatos domésticos de su padre en Svitavy, abrir una escuela de manejo en Sumperk y vender propiedades gubernamentales en Brno. . También sirvió en las fuerzas armadas checoslovacas y en 1938 alcanzó el puesto de lanza corporal en las tiendas. Schindler comenzó a trabajar con la Amt Auslands / Abwehr (Oficina del conocimiento militar desconocido) del ejército alemán en 1936. En febrero de 1939, cinco meses después de la extensión alemana de los Sudetes, se unió al Partido Nazi. Un gerente de finanzas emprendedor con preferencia por las cosas mejores a lo largo de la vida cotidiana, parecía una posibilidad imposible de convertirse en un rescatador en tiempos de guerra. Durante la Segunda Guerra Mundial, Schindler protegería a más de 1.000 judíos de la deportación a Auschwitz, el mayor complejo de campos de la Alemania nazi.
Tras la intrusión alemana y el control de Polonia, Schindler se trasladó a Cracovia desde Svitavy en octubre de 1939. Explotando el programa de ocupación alemán para "arianizar" y "germanizar" organizaciones de posesión judía y reclamadas limpias en el supuesto Gobierno General Ver este término en el glosario (Generalgouvernement), compró Rekord Ltd., un productor de esmaltes poseído por judíos, en noviembre de 1939. Cambió su planta para establecer la Deutsche Emalwarenfabrik Oskar Schindler (instalación industrial alemana de esmaltes Oskar Schindler), también llamada Emalia.
Mientras Schindler trabajaba en dos plantas diferentes en Cracovia, sólo en Emalia utilizó a los especialistas judíos que vivían cerca del gueto de Cracovia. En su fortín en 1944, Emalia utilizó 1.700 especialistas; en cualquier caso, 1.000 eran trabajadores judíos constreñidos, a quienes los alemanes habían emigrado del gueto de Cracovia después de su liquidación en Walk 1943 al campo de trabajo constreñido y posteriormente al encarcelamiento inhumano de Krakau-Plaszow.
A pesar del hecho de que los detenidos enviados a Emalia dependían todavía de los despiadados estados del encarcelamiento inhumano de Plaszow, Schindler intercedió más de una vez en su beneficio. Utilizó recompensas y estrategias individuales tanto para la prosperidad de los judíos socavados en una premisa individual como para garantizar, hasta finales de 1944, que las SS no expulsaran a sus especialistas judíos. Para garantizar que los especialistas judíos sean fundamentales para el esfuerzo de guerra, añadió una división de producción de equipos de combate a Emalia. Durante la liquidación del gueto de Cracovia en Walk 1943, Schindler permitió que sus especialistas judíos permanecieran en la línea de producción por el momento.
M I E S
V S
G A U D I
El 20 de noviembre de 1938, el Armour Institute of Technology celebró una gala en el hotel Palmer House de Chicago para celebrar a su nuevo director del programa de arquitectura. Frank Lloyd Wright lo presentó, quien no admiraba prácticamente a ningún otro arquitecto vivo. Pero esta ocasión fue diferente. Sobre el invitado de honor, Wright entonó: "Lo admiro como arquitecto, lo respeto y lo amo como hombre. Armor Institute, te doy mi Mies van der Rohe. Lo tratas bien y lo amas como yo. Él lo hará. recompensarte ". Wright luego abandonó rápidamente el escenario. La rareza de recibir públicamente los elogios incondicionales de Wright subraya la brillantez de Ludwig Mies van der Rohe y su tan aclamado lugar dentro de la arquitectura moderna como uno de los fundadores del Estilo Internacional en Alemania. Mies tampoco decepcionó a sus nuevos empleadores: durante los siguientes treinta años, ayudó a establecer el Estilo Internacional como el lenguaje arquitectónico definitivo del modernismo de posguerra norteamericano e influyó en cientos de emuladores en todo el mundo. Su estética de acero y vidrio se convirtió en el arquetipo del término "arquitectura moderna" durante décadas, incluso después de su muerte. Los edificios de Mies se convirtieron en los principales objetivos de los posmodernistas que luego atacaron el estilo internacional.
Las estructuras elevadas se describen por su marco como, un contorno de acero descubierto en el exterior y el desarrollo de divisores ciegos utilizados para hacer una estructura rectangular exacta. La planta baja de la estructura frecuentemente se ve obstaculizada por una progresión de muelles de acero, lo que regularmente hace una visualización especial de la estructura "deslizándose" sobre su sitio. En algunos, el marco del borde se comunica honestamente, mientras que en otros, la verticalidad se impulsa con pilares en I o "balances" que se elevan continuamente a través de los pisos superiores. Los escalones exteriores son anchos y como un santuario; algunas veces se les da un impacto de costa a través de la supervisión de las bandas. Un tipo de techo regular de Miesian se compone de una pieza que se balancea desde ejes exteriores sostenidos justo a lo largo de los bordes.
Las estructuras de alcance pequeñas varían generalmente en sutilezas de planos, sin embargo, todavía están representadas por la utilización de la estructura de Mies. La motivación proviene de dos arreglos de sutilezas de configuración, por ejemplo, los que se encuentran en la Estructura de Barcelona, Mededith Lobby en Drake Univeristy y Farnsworth House con su utilización de planos y sencillez; a Lemke House y IIT Grounds, donde los fuertes divisores se caracterizan por una disposición surcada de una estructura descubierta.
En la mayoría de las estructuras miesianas, la matriz inflexible se verbaliza con madera, bloque o cemento, sin embargo, aquí en el noroeste del Pacífico, se puede encontrar una cantidad asombrosa de modelos de acero descubiertos. Entre estos individuos hay enormes placas continuas de vidrio que comúnmente se extienden del piso al techo en estructuras comerciales, o grupos de ventanas rectangulares en formas privadas. Algunos modelos retiran el divisor exterior de la celosía para dejar un pasillo abierto o un contorno deslizante. Las diferentes estructuras giran más hacia el plan de la Estructura de Barcelona de Mies utilizando enormes tramos de planos divisores de nivel, frecuentemente expresados en bloque o piedra, que estructuran divisores que se expanden hacia afuera y hacia arriba desde el cuerpo principal de la estructura.
Por otro lado Gaudí fue traído al mundo en la Cataluña común en la costa mediterránea de España. De origen humilde, era hijo de un calderero que viviría con él en la vida posterior, junto con una sobrina; Gaudí nunca se casó. Demostrando un temprano interés por la ingeniería, se fue en 1869/70 a concentrarse en Barcelona, en ese punto el foco político y académico de Cataluña, al igual que la ciudad más actual de España. No se graduó hasta ocho años después del hecho, sus investigaciones se vieron obstaculizadas por la asistencia militar y otros ejercicios discontinuos.
El estilo de ingeniería de Gaudí experimentó algunas etapas. Al salir de la Commonplace School of Design de Barcelona en 1878, ensayó un victorianismo algo colorido que había quedado claro en sus aventuras escolares, pero inmediatamente construyó una forma de hacer por implicaciones a partir de yuxtaposiciones poco comunes de masas matemáticas, la superficies de las cuales estaban excepcionalmente animadas con bloques o piedras diseñadas, baldosas de barro alegre y orfebrería botánica o reptil. El impacto general, aunque no las sutilezas, es morisco, o mudéjar, como se llama a la combinación única de España de plan musulmán y cristiano. Ejemplos de su estilo mudéjar son la Casa Vicens (1878-1880) y El Capricho (1883-1885) y la Casa Güell y la Residencia Real Güell de finales de la década de 1880, todo excepto El Capricho situado en Barcelona. A continuación, Gaudí probó diferentes cosas con las perspectivas dinámicas de estilos memorables: el gótico en la Real Residencia Episcopal, Astorga (1887-1893), y la Casa de los Botines, León (1892-1894); y el Extravagante en la Casa Calvet de Barcelona (1898-1904). En cualquier caso, a partir de 1902 sus planes evaden la terminología expresiva habitual.
H A L L I D I E
B U I L D I N G
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Se dice que el nombre de la estructura se obtuvo del innovador del famoso tranvía, Andrew Smith Hallidie, que es tan reconocible en la ciudad. A la estructura se le atribuye ser el principal desarrollo planificado del divisor de adornos de ventana de vidrio genuino en Estados Unidos. Debido a esta inmensidad registrada e interesante caracterización, se registra como un sitio auténtico estadounidense, una biblioteca pública de edificios importantes.
La empresa general incluyó la expulsión, reparación y reinstalación de alrededor de 735 segmentos de chapa y barandillas para las elaboradas galerías y salidas de emergencia de la estructura, junto con 513 ventanas. El desmantelamiento y evacuación de segmentos individuales se verificó deliberadamente para verificar su consistencia con las pautas naturales identificadas con la captura y eliminación correctas de pintura tóxica. La pintura existente en la fachada fue eliminada en las cámaras de tiro por el utensilio de recubrimiento. Las piezas decorativas se instalaron según SSPC-SP6 / NACE No. 3 Business Impact Cleaning, mientras que los contornos de las ventanas, las bandas, las mallas metálicas y las barandillas se configuraron según SSPC-SP10 / NACE No. 2 Close to White Impact Cleaning. Cada segmento se preparó con Arrangement 90-97 Tneme-Zinc, una base fragante de uretano rico en zinc.
L A E X P O S I C I Ó N
M U N D I A L D E
C O L O M B I A D E
1 8 9 3
América fue sede de la Feria Mundial de 1893 como una celebración del viaje de Colón al continente cuatrocientos (un) años antes. Chicago superó a Nueva York, St. Louis y Washington, D.C. por el privilegio de albergar la feria. Al igual que la Exposición del Centenario de 1876 anterior, la Feria brindó un escaparate del poder estadounidense y un reflejo de los valores predominantes de la nación.
La junta que supervisa la feria invitó a Frederick Law Olmsted, el principal arquitecto paisajista de Estados Unidos, a desarrollar un sitio y un plan para la feria. Con su socio Harry Codman, Olmsted eligió Jackson Park en el lago Michigan. En lugar de diseñar un paisaje, Olmsted y Codman concibieron un paisaje marino espectacular. Junto con el lago en sí, una serie de piscinas y canales artificiales contrastarían con islas y terrazas elevadas para los edificios. En la última Exposición Universal, en París de 1889, se utilizó una disposición de edificios alrededor de una terraza, pero el sitio de Chicago era cuatro veces más grande.
Daniel Hudson Burnham, de la asociación arquitectónica de Chicago Burnham y Root, el jefe de construcción de la feria, adoptó con entusiasmo esta propuesta. Burnham luego sugirió que los más grandes arquitectos estadounidenses de la época contribuyan con diseños para los edificios. Los colaboradores incluyeron a Richard Morris Hunt (quien construyó la fachada del Museo Metropolitano de Nueva York), Charles McKim (Biblioteca Pública de Nueva York), Robert Peabody, George B. Post (edificio del New York Times), Henry Van Brunt, Louis Sullivan, y William LeBaron Jenney (Edificio de Seguros para el Hogar de Chicago, uno de los primeros con un esqueleto de acero). El escultor Augustus Saint-Gaudens, como director artístico, supervisó el programa decorativo de la feria, que incluyó obras de Daniel Chester French, quien luego creó la estatua de Lincoln para el memorial de ese presidente, y la pintora impresionista Mary Cassatt.
Cuando los arquitectos se reunieron en Chicago en 1891 para compartir sus diseños entre sí, Olmsted señaló, "fue un placer presenciar la camaradería general y el fervor de los artistas y más agradable caer en ellos". Juntos, colaboraron en una visión magnífica y disfrutaron de su propia audacia al soñarla. Saint-Gaudens comparó al grupo con los genios del Renacimiento italiano que construyeron Florencia. "Mire, amigo", le dijo a Burnham, "¿se da cuenta de que éste es el mayor encuentro de artistas desde el siglo XV?"
Los edificios neoclásicos de Hunt, McKim y los otros arquitectos orientales se encontraban alrededor de una palangana en la Corte de Honor; El edificio de transporte multicolor de Sullivan estaba a un lado. Una franja comercial de una milla de largo, Midway Plaisance, ofrecía entretenimientos cerca.
Ó P E R A
G A R N I E R
Ópera Garnier. También conocida como Palacio Garnier u Ópera de París, construcción emblemática del IX Distrito de París y del paisaje urbano de la capital francesa. Napoleón III ordenó su construcción al arquitecto Charles Garnier, quien lo diseñó en estilo Neobarroco.
Desde su inauguración en 1875, la ópera fue llamada oficialmente Academia Nacional de Música Teatro de la Ópera. Conservó su título hasta 1978 cuando fue renombrada Teatro Nacional de la Ópera de París. En 1989 la Compañía de la Ópera trasladó su sede al recién construido Teatro de la Bastilla y su vieja sede recibió el nombre de Palacio Garnier, donde permanece la Academia Nacional de Música. A pesar del cambio de nombre oficial y del traslado de la Compañía de la Ópera, el Palacio Garnier sigue siendo conocido popularmente por el nombre de Ópera de París.
La construcción de la Ópera tuvo varios contratiempos. La obra hubo de ser interrumpida al encontrarse cuevas con aguas subterráneas durante las excavaciones, las cuales tuvieron que ser absorbidas con bombas durante 8 meses. También se interrumpió después del desastre de la Guerra Franco-Prusiana, la caída del Segundo Imperio Francés y la Comuna de París de 1870. Durante esta época la obra continuó en forma esporádica e incluso se rumoreó que la construcción de la Ópera sería abandonada.
En 1969 el teatro recibió nuevas instalaciones eléctricas y en 1978 parte del Foyer de la Danse original se convirtió en un nuevo espacio para ensayos de la Compañía de ballet, obra del arquitecto Jean-Loup Roubert. En 1994 comenzó la restauración del teatro, la cual consistió en la modernización de la tramoya y de las instalaciones eléctricas, mientras se restauraba y preservaba el decorado y se fortalecía la estructura del edificio. La restauración fue terminada en 2006.
C E N T R A L P A R K
El Central Park de Nueva York fue el primer parque público de Estados Unidos y sin dudas, es el más visitado del país. Además de sus zonas públicas, el Central Park es escenario del Jardín Zoológico, restaurantes, una famosa pista de patinaje en invierno y sobre todo, un mirador panorámico del horizonte de rascacielos de Manhattan.
El 21 de julio de 1853, la Legislatura del Estado de Nueva York aprobó una ley designando un terreno en el medio de Manhattan para un gran parque público; el primer gran parque público de la nación. El Parque fue diseñado en 1858 por Frederick Law Olmsted y Calvert Vaux; quienes lo visualizaron como un lugar donde la gente de todas las razas y clases sociales podrían mezclarse. De un terreno sin árboles, rocoso y pantanoso crearon un oasis urbano arbolado que ha sido disfrutado por generaciones durante los últimos 150 años.
El parque está dirigido por Central Park Conservancy , una empresa privada sin ánimo de lucro , que tiene un contrato con el Departamento de Parques y Ocio de Nueva York. Central Park linda por el norte con la Calle 110 , por el oeste con la calle Central Park Oeste , por el sur con la Calle 59 y por el este con la Quinta Avenida . Los tramos de estas calles que pasan alrededor de Central Park son conocidas normalmente con el nombre de Central Park Norte , Central Park Sur y Central Park Oeste , respectivamente; aunque la Quinta Avenida conserva su nombre al pasar por el borde este del parque.
El parque también sufrió épocas de decadencia. En los años 30, el alcalde Fiorello La Guardia lo sacó de la desidia. Entonces puso a su frente al legendario urbanista Robert Moses, que expandió las áreas de esparcimiento, cosa que hubiera horrorizado a los arquitectos originales. Se erigieron juegos para niños y zonas para hacer distintos tipos de deportes y conciertos, y se expandió el zoológico.
En los años 60 el parque se convirtió en el corazón de la actividad política y de protesta de Nueva York, y poco a poco comenzó a caer otra vez en el abandono. Allí se produjeron también crímenes terribles. A mediados de los 90, dos adolescentes una chica y un chic degollaron a un hombre de 40 años y lo tiraron al lago. El caso del Central Park Jogger, una mujer que fue violada por una banda de chicos, aún sigue generando titulares en los diarios de todos los Estados Unidos. Pese a esto, el Central Park sigue siendo la perla de Nueva York.
El césped, las flores, sus árboles reciben un cuidado meticuloso por parte de la comuna y de una sociedad privada que recauda fondos para su conservación. Más de 20 millones de personas lo visitan al año, porque sus paisajes son mágicos con sol, lluvia o nieve.
W H A T I S CONTEMPORARY
En esencia, la palabra "contemporáneo" significa "del momento", lo que hace que este estilo sea particularmente difícil de definir. Este estilo, que se remonta a la década de 1970, es único porque toma prestados elementos de muchas otras estéticas. En él, se pueden ver guiños al diseño moderno, tradicional, art deco e incluso futurista. El otro punto definitorio del diseño contemporáneo es que está en constante evolución. A diferencia de otros estilos que están más o menos grabados en piedra, lo que es "del momento" de hoy puede cambiar en unos pocos años. Hoy en día, la apariencia se define por líneas curvas, colores neutros y minimalismo, pero puede verse ligeramente diferente en el futuro.
Algunos arquitectos contemporáneos notables del siglo XXI incluyen a Frank Gehry, Jean Nouvel, Tadao Ando, Shigeru Ban, Santiago Calatrava y la fallecida Zaha Hadid, quien murió a los 65 años en 2016 pero cuya obra aún está siendo construida por la empresa que dejó atrás. Estos "arquitectos estrella" contemporáneos son conocidos por sus edificios expresivos y asombrosos representados en formas poco convencionales, a veces que desafían la gravedad, que alteran el paisaje en lugares de todo el mundo. Si bien todos han construido ambiciosos edificios a gran escala como el Walt Disney Concert Hall de Gehry en Los Ángeles o la Filarmónica de París de Nouvel, muchos también han construido residencias privadas como los condominios de lujo diseñados por Hadid en 520 West 28th Street con vista a High Line de Nueva York.
La sostenibilidad es una característica importante de la arquitectura contemporánea, con el uso de materiales reciclados y naturales y la atención a los sistemas de construcción de control de temperatura y agua ecoconscientes que están cada vez más integrados y considerados.
C A S A D A S C A N A O S
Oscar Niemeyer diseñó en 1953 en la carretera de Canoas, cerca del barrio de São Conrado, en Río de Janeiro, una residencia para él y su familia conocida como Casa das Canoas. La casa de Canoas ocupa en la obra y el pensamiento de Niemeyer una posición similar a la de otras famosas casas modernas: la Casa de la Cascada, de Frank Lloyd Wright; la villa Saboya, de Le Corbusier; y la Casa de Cristal, de Philip Johnson
Colocada en un emplazamiento empinado y montañoso, en medio de un denso bosque tropical y con vistas al mar, la casa es un pequeño pabellón doméstico definido por una cubierta de forma libre derivada de la marquesina sinuosa de la Casa de Baile de Pampulha.
En Canoas, Niemeyer desarrolló la idea de la marquesina como un cobijo elemental abierto a la naturaleza y en armonía con ella. La fina losa horizontal de hormigón de la cubierta, recortada en una serie de curvas fluidas tomadas del contexto natural, parece cubrir un espacio indefinido que fluye más allá de ella por todos lados. Sostenida por varios pilotis esbeltos de acero ampliamente separados que permiten que las paredes sean casi totalmente de vidrio, la losa parece flotar por encima del volumen impreciso de la casa. Los rasgos más sobresalientes de la casa son su integración casi completa con los elementos naturales del emplazamiento y la aparente neutralización de la distinción habitual entre la arquitectura y la naturaleza.
En esta obra Niemeyer abandona el sistema de los ‘cinco puntos’ de Le Corbusier, e invierte la convención moderna de levantar el edificio sobre pilotis, dejando la casa sobre la tierra, en íntima comunión con la naturaleza de la montaña, de la que parece surgir, como ocurre con el enorme peñasco de granito que constituye su motivo central. Niemeyer invierte la disposición doméstica convencional (el espacio público abajo y el espacio privado arriba) y crea un semisótano a modo de cueva para los dormitorios y los cuartos de baño.
La casa de Canoas sintetiza ideas enraizadas en los propios experimentos de Niemeyer en el Pabellón de Brasil y en Pampulha, donde predomina la dinámica experiencia visual del medio natural de Brasil: agua y vegetación tropical. El paisajismo de Burle Marx en la casa de Canoas tuvo mucho que ver en la integración vital del edificio con su emplazamiento. Sus investigaciones sobre la forma libre en la arquitectura del paisaje tuvieron sin duda un importante impacto en Niemeyer.
C A S A D A S C A N O A
La casa familiar diseñada por el brasileño Oscar Niemeyer en 1951 en Rio de Janeiro. Este hito de la arquitectura moderna rodeada de vidrio y curvas que preservan la vista a la naturaleza que se observa desde el tope de la colina donde fue construida.
Los Angeles
The Architecture of Four Ecologies
El libro escrito por Reyner Banham habla sobre las cuatro ecologías ellas que se mueven y relacionan los Agelenos. Las playas, las carreteras, los llanos y las estimaciones. Banham examina como se construye este post urbanismo.